Istituto: Istituto per la Musica

Nino Rota, 8 ½. Colonna sonora originale del film omonimo, LP, CAM 1963, copertina.
Fondo Nino Rota, Fondazione Giorgio Cini, Venezia.

Seminario organizzato da
Gianmario Borio, Roberto Calabretto

Gli anni che vanno dal 1945 al 1975 rappresentano uno snodo centrale non solo nella storia del cinema italiano ma anche in quella della composizione per il cinema. Nell’arco di un trentennio cambiano le tipologie e mutano anche le funzioni della colonna sonora. Questi anni sono dominati da personalità come Nino Rota e Giovanni Fusco, voci del cinema di Federico Fellini e Michelangelo Antonioni e, in seguito, Ennio Morricone, indiscusso protagonista degli scenari sonori. Grazie all’operato di questi e molti altri compositori la musica per film assume dei nuovi connotati e si profila uno stile italiano anche per quanto riguarda l’intero paesaggio sonoro.

Le partiture modellate sul sinfonismo tardo ottocentesco, con il costante ricorso al bozzettismo folclorico e alle canzoni alla moda, non sono più gli indiscussi punti di riferimento dei registi; le tipologie musicali cinematografiche lentamente iniziano a mutare accogliendo al loro interno il jazz, la musica pop e addirittura il rock. Inizia a farsi strada anche un utilizzo molto accorto dei rumori, elemento di primaria importanza nella trama audiovisiva nei film di Antonioni e Sergio Leone. Le funzioni dell’accompagnamento sonoro vanno incontro a dei cambiamenti: il commento ridondante che aveva caratterizzato per lunghi anni le pellicole del cinema italiano risulta ormai essere logoro ed anacronistico. Compositori e registi ora propendono verso partiture che siano in grado di dialogare realmente con le immagini, anche in situazioni di asincronismo, per far scaturire nuovi percorsi audiovisivi. «Il musicista si fa uomo di cinema – affermava Luigi Chiarini – e si lascia dietro le spalle gli schemi e il peso dell’antica tradizione della sua nobile arte per dare un libero apporto con la sua particolare sensibilità all’opera filmica, che ha un suo specifico linguaggio e in cui le singole personalità si annullano per potenziarsi in un’unica personalità».

Questo seminario si colloca nell’area di ricerca L’esperienza audiovisiva e fa parte del ciclo di manifestazioni dedicate al paesaggio sonoro del cinema italiano.

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Foto di scena della prima rappresentazione di Atomtod di Giacomo Manzoni (Milano, Piccola Scala, 1965).
Foto Erio Piccagliani © Teatro alla Scala

Questo seminario, a cura di Gianmario Borio, Giordano Ferrari e Daniela Tortora, è la prima tappa di un progetto triennale – cofinanziato dalla Ernst von Siemens Musikstiftung sulle sperimentazioni nel teatro musicale europeo.

Nelle due giornate verranno presentati i risultati di ricerche condotte su compositori italiani, in un quadro articolato di elaborazione teorica e creatività artistica che per lungo tempo ebbe una funzione trainante in Europa. Ci si soffermerà sulla ricezione da parte dei compositori delle esperienze più avanzate del teatro di parola, sull’elaborazione di testi letterari e sul montaggio di testi da recitare o cantare, sulla riorganizzazione della drammaturgia e degli spazi scenici. Un particolare rilievo sarà dato alle fonti conservate presso l’Istituto per la Musica (Guaccero, Macchi, Manzoni, Togni).

Parteciperanno: Robert Adlington, Giacomo Albert, Valentina Bertolani, Stefania Bruno, Simone Caputo, Marco Cosci, Mila De Santis, Stefano Lombardi Vallauri, Alessandro Mastropietro, Vincenzina Ottomano, Doerte Schmidt, Emanuele Senici, Valentina Valentini e Giada Viviani.

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Oskar Schlemmer, Tänzerin (Die Geste), 1922-23. Pinakothek der Moderne, München
© 2015. Foto Scala, Firenze/bpk, Bildagentur  füer Kunst, Kultur und Geschichte, Berlin (detail)

Questo convegno rappresenta il momento più significativo delle manifestazioni per i trent’anni dell’Istituto per la Musica, che portano il titolo La musica e le arti performative.

Al convegno, che sarà aperto da lezioni magistrali della coreografa Dominique Brun e del compositore Alvin Curran, partecipano: Susan Broadhurst, Antonio Camurri, Jonathan Owen Clark, Eric Clarke, Inger Damsholt, Nicolas Donin, Susanne Franco, Nikša Gligo, Rolf Inge Godøy, Claudia Jeschke, Stephanie Jordan, Massimiliano Locanto, Ulrich Mosch, Marina Nordera, Julie Perrin, Dee Reynolds, Julia H.  Schröeder, Stephanie Schroedter, Emanuele Senici, Lawrence Zbikowski.

Nel quadro della manifestazione, il 10 luglio alle ore 18.30, si terrà un concerto con le Sonate in La bemolle maggiore Hob XVI: 46, in Si bemolle minore Hob XVI: 32, in Sol maggiore Hob XVI: 40 e Mi bemolle maggiore Hob: 49 di Joseph Haydn.
John Irving le eseguirà sul fortepiano di Mathias Jakesch (1823) di proprietà della Fondazione Giorgio Cini.

Scarica il pdf con il programma del convegno Music-Dance: Sound and Motion in Contemporary Discourse and Practice

In occasione del quarto anniversario della scomparsa di Giovanni Morelli e in concomitanza con le manifestazioni per il trentesimo anniversario dell’Istituto per la Musica, si propone una riflessione su alcuni tra i più rilevanti testi dell’eminente musicologo e primo direttore dell’Istituto. I temi rispecchiano la poliedrica personalità intellettuale di Morelli: dalla retorica musicale alla popular music, dalla drammaturgia dell’opera romantica alla composizione per il cinema, dal rapporto tra genio e malattia alla composizione dello spazio nel secondo Novecento.

Il seminario sarà coordinato da Gianmario Borio e Giada Viviani e presieduto da un comitato scientifico composto da Michele Girardi, Emilio Sala, Luca Zoppelli e Paolo Pinamonti, curatore di una bibliografia degli scritti di Giovanni Morelli che sarà disponibile nell’occasione. Un gruppo di giovani musicologi si incaricherà di discutere le tesi formulate da Morelli e di collocarle nel quadro dei dibattiti attuali della musicologia internazionale. Al termine del seminario si terrà un concerto del mdi ensemble con musiche di Clementi, Feldman, Kurtág, Scelsi e Varèse.

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Nell’immagine: Edward Gordon Craig, bozzetto per la prima scena del secondo atto di Acis and Galatea di Händel, Londra, 1902.         Fondazione Giorgio Cini onlus

L’obiettivo del convegno è quello di esaminare le modalità con cui la partitura di un’opera in musica prevede o forse anche prescrive la sua configurazione scenica. Lo sviluppo di una coscienza dello spettacolo presso i compositori del XIX secolo è testimoniata, oltre che negli scritti di Wagner e nelle lettere di Verdi, dallo sfruttamento sempre più marcato della dimensione spaziale nell’allestimento delle opere. Tale tendenza si amplifica nella prima metà del XX secolo in concomitanza con la nascita della regia come forma artistica specifica,diventando un riferimento imprescindibile per gli studi sul teatro musicale. Sebbene lo stretto rapporto tra parola, musica e immagine sia stato riconosciuto come imprescindibile, la saggistica mostra ancora alcune carenze; in particolare manca una prospettiva sistematica e affinata sul piano teorico che sia in grado di fornire una solida base per l’individuazione e la valutazione degli elementi musicali rilevanti per l’organizzazione dello spazio scenico nelle sue varie componenti (immagini, requisiti, movimenti, gesti ecc.). Il convegno, articolato in tre sessioni, intende offrire un contributo alla formazione di questo impianto storico e teorico. La prima sessione (Comporre la scena tra Verdi e Wagner) prevede interventi di Luca Zoppelli, Gundula Kreuzer e Riccardo Pecci; nella seconda sezione (L’orecchio normativo: nuove scene per l’opera) interverranno Maria Ida Biggi, Donatella Gavrilovich e Clemens Risi; nella terza (L’occhio del compositore: spazi scenici in tre partiture) sono previste relazioni di Marie Lavieville Angelier, Dörte Schmidt e Tommaso Sabbatini. Il coordinamento è affidato a un comitato tecnico-scientifico composto da Maria Ida Biggi, Gianmario Borio, Giordano Ferrari, Michele Girardi e Isabelle Moindrot.

Il convegno nasce da una collaborazione tra l’Istituto per la Musica e il Centro studi per la ricerca documentale sul teatro e il melodramma europeo della Fondazione Giorgio Cini con l’EA Esthétique, musicologie, danse et création musicale, Université Paris 8 e con l’Università Ca’ Foscari di Venezia. L’iniziativa si inserisce nel progetto Vers le présent de la dramaturgie musicale à travers l’idée d’espace “sensible”, coordinato da Giordano Ferrari all’interno del Laboratoire d’excellence Arts-H2H (programma Investissements d’avenir, ANR-10-LABX-80-01) diretto da Isabelle Moindrot, che riunisce i laboratori di ricerca in arte dell’Université Paris 8 e dell’Université Paris Ouest e alcune istituzioni d’arte tra cui il Centre Georges Pompidou, il Conservatoire national supérieur d’art dramatique e la Bibliothèque national de France.

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